Tina Galindo, famosa e influyente productora de teatro en México, falleció el pasado lunes 30 de enero tras varias semanas de complicaciones de salud.

Según lo informado por la periodista de Multimedios Maria Luisa Valdés Doria, se dio a conocer hasta este martes la noticia del deceso de Galindo, de 78 años de edad, quién sufrió problemas relacionados con el Covid-19, reveló su familia.

La partida de la productora deja un vacío significativo en el ámbito teatral y televisivo, donde marcó una huella indeleble. Ella también era reconocida por ser la compañera de vida de la actriz Daniela Romo.

Tina Galindo ha sido una fuerza impulsora en la producción de contenido que ha cautivado a audiencias durante décadas. 

La productora falleció debido a complicaciones de Covid-19

La productora de teatro falleció debido a diversas complicaciones de Covid-19 según informó Maria Luisa Valdés, colaboradora de MULTIMEDIOS Televisión, quién habló con el hermano de Tina Galindo.

Galindo, a lo largo de su carrera, ha dejado un legado que perdurará en la memoria de aquellos que la conocieron y apreciaron su contribución al mundo del entretenimiento. 

Su pérdida es profundamente sentida, y las expresiones de condolencias y homenajes ya han comenzado a inundar las redes sociales.

​¿Quién fue Tina Galindo?

La industria del entretenimiento está de luto por la partida de una figura icónica, Tina Galindo, una talentosa productora que dejó una huella imborrable en el mundo del teatro y la televisión. 

Su trayectoria, que se inició en 1972 con la obra "El Efecto de los Rayos Gama sobre las Caléndulas", fue un viaje impresionante que abarcó décadas y generaciones de amantes del arte escénico.

El inigualable talento de Galindo no pasó desapercibido, y en 1969, su habilidad excepcional la llevó a ser nombrada Vicepresidente de Representaciones Artísticas y Musicales para Grupo Televisa. 

Bajo su dirección, la empresa Melody floreció, marcando el inicio de una carrera que redefiniría el panorama de la producción televisiva y teatral en México.

Entre las obras más destacadas que llevó a los escenarios se encuentran joyas teatrales como: 

• La Novicia Rebelde
• Todo Sobre Mi Madre
• Juegos Siniestros
• Nadando con Tiburones
• Amor, Dolor
• ¡Y lo que traía puesto!
• El curioso Incidente del Perro de Media Noche
• Hello Dolly!
• Mamma Mia

Cada producción era un testimonio de la destreza creativa de Galindo y su capacidad para conectar con el público a través de historias cautivadoras.

Su cercanía con Daniela Romo

En el fascinante mundo del espectáculo mexicano, la relación entre Tina Galindo y Daniela Romo trascendió las fronteras laborales para convertirse en una conexión verdaderamente especial. 

No solo comparten una exitosa colaboración en el ámbito profesional, sino que también construyeron una amistad sólida que ha resistido el paso del tiempo.

Tina Galindo, reconocida productora teatral de renombre, ha sido una figura constante en la vida de la talentosa cantante Daniela Romo. 

La unión entre ambas artistas no solo se basa en proyectos profesionales, sino que también ha evolucionado hacia una profunda amistad que ha demostrado ser invaluable para Romo, especialmente durante los momentos más desafiantes de su vida.

En declaraciones realizadas por Daniela Romo, se abrió una ventana hacia la cercanía entre ambas mujeres. La cantante, en una conversación emotiva que se volvió viral en TikTok, compartió la importancia que tiene Tina Galindo en su vida. 

Romo no escatimó elogios al describir a Galindo como un ser "más que importante", reconociendo abiertamente que están juntas.

Lo más conmovedor de la revelación fue la mención de Tina Galindo como un apoyo fundamental durante los momentos más difíciles de Daniela Romo, incluyendo su batalla contra el cáncer. 

Romo elogió la fortaleza y dedicación de Galindo, destacando su apoyo inquebrantable durante los desafíos de la vida.

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La periodista e historiadora Ernestina Sodi Miranda, hermana de Thalía y madre de la actriz Camila Sodi, falleció el pasado 8 de noviembre tras sufrir complicaciones de salud. Según se informó, Ernestina había sido hospitalizada en la Ciudad de México el viernes 18 de octubre tras sufrir dos infartos.

Una despedida emotiva

Fue su hija, Camila Sodi, quien confirmó la noticia en una historia publicada en su cuenta de Instagram. Con un breve pero emotivo mensaje, se despidió de su madre:

“Ernestina Sodi. Mi mamá, abuela de mis bebés. Noviembre 8, 2024. Descansa en paz.”

Hasta el momento, ningún otro miembro de la familia, incluida su hermana Thalía, se ha pronunciado públicamente sobre el fallecimiento.

Ernestina Sodi Miranda nació el 24 de julio de 1960, fruto del segundo matrimonio de Yolanda Miranda Mange y Ernesto Sodi Pallares. Además de su labor como periodista e historiadora, era conocida por su vínculo con el medio artístico al ser hermana de Thalía y Laura Zapata, así como madre de las actrices Camila y Marina Sodi, fruto de su relación con el abogado Fernando González Parra.

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Quincy Jones, el titán musical polifacético cuyo vasto legado abarcó desde producir el histórico álbum “Thriller” de Michael Jackson hasta escribir bandas sonoras premiadas para cine y televisión y colaborar con Frank Sinatra, Ray Charles y cientos de otros artistas, ha fallecido a los 91 años.

Jones falleció el domingo por la noche en su casa en la zona de Bel Air de Los Ángeles rodeado por su familia, indicó el publicista de Jones, Arnold Robinson.

“Esta noche, con el corazón lleno pero roto, debemos compartir la noticia del fallecimiento de nuestro padre y hermano Quincy Jones”, dijo la familia en un comunicado. “Y aunque esto representa una pérdida increíble para nuestra familia, celebramos la gran vida que vivió y sabemos que nunca habrá otro como él”.

Jones pasó de andar con pandillas en el lado sur de Chicago a las cumbres más altas del espectáculo. Se convirtió en uno de los primeros ejecutivos negros en prosperar en Hollywood y acumuló un catálogo musical extraordinario que incluye algunos de los momentos más ricos del ritmo y la canción estadounidenses. Durante años, era improbable encontrar a un amante de la música que no poseyera al menos un disco con su nombre, o a un líder en la industria del entretenimiento y más allá que no tuviera alguna conexión con él.

Jones trató con presidentes y líderes extranjeros, estrellas de cine y músicos, filántropos y líderes empresariales. Fue de gira con Count Basie y Lionel Hampton, arregló discos para Sinatra y Ella Fitzgerald, compuso las bandas sonoras de “Raíces” y “In the Heat of the Night”, organizó la celebración inaugural del presidente Bill Clinton y supervisó la grabación de “We Are the World”, el disco benéfico de 1985 para la ayuda contra la hambruna en África.

Lionel Richie, quien coescribió “We Are the World” y fue uno de los cantantes destacados, llamaría a Jones “el maestro de orquesta”.

En una carrera que comenzó cuando los discos todavía se reproducían en vinilo a 78 revoluciones por minuto, los máximos honores probablemente sean para sus producciones con Jackson: “Off the Wall”, “Thriller” y “Bad” fueron álbumes de un estilo y atractivo casi universales. La versatilidad e imaginación de Jones ayudaron a desencadenar los explosivos talentos de Jackson mientras pasaba de estrella infantil a convertirse en el “rey del pop”. En pistas clásicas como “Billie Jean” y “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, Jones y Jackson crearon un paisaje sonoro global a partir de disco, funk, rock, pop, R&B, jazz y cantos africanos. Para “Thriller”, algunos de los toques más memorables provinieron de Jones, quien reclutó a Eddie Van Halen para un solo de guitarra en “Beat It”, un tema que cruzaba las líneas entre géneros, y recurrió a Vincent Price para una narración espeluznante en la pista que daba título al álbum.

“Thriller” vendió más de 20 millones de copias sólo en 1983 y ha competido con “Greatest Hits 1971-1975” de Eagles, entre otros, como el álbum más vendido de todos los tiempos.

“Si un álbum no tiene éxito, todos dicen ‘fue culpa del productor’; así que si tiene éxito, también debería ser tu ‘culpa’”, dijo Jones en una entrevista con la Biblioteca del Congreso en 2016. “Las canciones no aparecen sin más de repente. El productor debe tener la habilidad, experiencia y capacidad para guiar la visión hasta su finalización.”

La lista de sus honores y premios ocupa 18 páginas en su autobiografía de 2001 “Q”, incluyendo 27 Grammys en ese momento (ahora 28), un Oscar honorífico de la Academia (ahora dos) y un Emmy por “Raíces”. También recibió la Legión de Honor de Francia, el Premio Rudolph Valentino de la República de Italia y un homenaje del Centro Kennedy por sus contribuciones a la cultura estadounidense. Fue objeto de un documental de 1990, “Listen Up: The Lives of Quincy Jones” y una película de 2018 de su hija Rashida Jones. Su autobiografía le convirtió en un autor superventas.

¿Quién era?

Nacido en Chicago en 1933, Jones citaba los himnos que su madre cantaba en casa como la primera música que recordaba. Pero veía con tristeza su infancia, y una vez le dijo a Oprah Winfrey que “hay dos tipos de personas: las que tienen padres o cuidadores que les hacen crecer, y las que no. No hay nada intermedio.” La madre de Jones sufría de problemas emocionales y terminó ingresada en un centro, una pérdida que hizo que el mundo pareciera “sin sentido” para Quincy.

Pasaba gran parte de su tiempo en Chicago en las calles, con pandillas, robando y peleando. “Me clavaron la mano en una cerca con una navaja, hombre”, le dijo a la AP en 2018, mientras mostraba una cicatriz de su juventud. La música lo salvó.

De niño, se enteró de que un vecino en Chicago tenía un piano y pronto él mismo lo tocaba constantemente. Su padre se mudó a Washington cuando Quincy tenía 10 años y su mundo cambió en un centro recreativo del vecindario. Jones y algunos amigos habían irrumpido en la cocina y se habían servido un pastel de limón y merengue cuando Jones vio una pequeña sala cercana con un escenario. En el escenario había un piano.

“Subí allí, me detuve, miré y luego toqué un poco”, escribió en su autobiografía. “Ahí es donde comencé a encontrar paz. Tenía 11 años. Sabía que esto era para mí. Para siempre.”

En pocos años estaba tocando la trompeta y haciendo amistad con un joven músico ciego llamado Ray Charles, quien se convirtió en un amigo para toda la vida. Era lo suficientemente talentoso como para ganar una beca en el Berklee College of Music en Boston, pero abandonó cuando Hampton lo invitó a hacer una gira con su banda.

Jones pasó a trabajar como compositor, director, arreglista y productor independiente. De adolescente, acompañó a Billie Holiday. A mediados de la veintena estaba de gira con su propia banda.

"Teníamos la mejor banda de jazz del planeta, y sin embargo, literalmente estábamos muriendo de hambre”, dijo más tarde a la revista Musician. “Fue entonces cuando descubrí que estaba la música, y estaba el negocio de la música. Si iba a sobrevivir, tendría que aprender la diferencia entre los dos".

De productor a la cultura pop

Como ejecutivo musical, superó las barreras raciales al convertirse en vicepresidente de Mercury Records a principios de los años 60. En 1971 se convirtió en el primer director musical negro para la ceremonia de los Oscar. La primera película que produjo, “El color púrpura”, recibió 11 nominaciones al Oscar en 1986 (aunque, para su gran decepción, ninguna victoria).

En asociación con Time Warner, creó Quincy Jones Entertainment, que incluía la revista de cultura pop Vibe y Qwest Broadcasting. La compañía se vendió por 270 millones de dólares en 1999.

“Mi filosofía como empresario siempre ha provenido de las mismas raíces que mi credo personal: tomar a las personas talentosas en sus propios términos y tratarlas de manera justa y con respeto, sin importar quiénes sean o de dónde vengan”, escribió Jones en su autobiografía.

Se sentía cómodo con prácticamente todas las formas de música estadounidense, ya sea acompañando el “Fly Me to the Moon” de Sinatra o con el ritmo pegadizo y cambiante de una flauta melancólica o abriendo su producción del entregado “In the Heat of the Night” de Charles con un solo de saxofón tenor lleno de lujuria.

Trabajó con gigantes del jazz (Dizzy Gillespie, Count Basie, Duke Ellington), raperos (Snoop Dogg, LL Cool J), estrellas de la balada (Sinatra, Tony Bennett), cantantes pop (Lesley Gore) y estrellas de rhythm and blues (Chaka Khan, la rapera y cantante Queen Latifah). Sólo en “We are the World”, los intérpretes incluyeron a Michael Jackson, Bob Dylan, Billy Joel, Stevie Wonder y Bruce Springsteen. Coescribió éxitos para Jackson – “P.Y.T (Pretty Young Thing” – y Donna Summer – “Love Is in Control (Finger on the Trigger) – y sus canciones fueron utilizadas como base por Tupac Shakur, Kanye West y otros raperos. Incluso compuso la canción tema para la comedia “Sanford and Son”.

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El histórico ex beisbolista mexicano, Fernando Valenzuela, quien se convirtió en leyenda de Los Angeles Dodgers en la MLB, murió a los 63 años tras haber sido hospitalizado.

"Estamos profundamente entristecidos de enterarnos del fallecimiento del ex grande de los Dodgers Fernando Valenzuela", informó la MLB en sus redes sociales.

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El lunes 30 de septiembre, el periodista deportivo David Faitelson informó a través de sus redes sociales que el ex pelotero mexicano se encontraba hospitalizado, aunque no brindó mayores detalles.

"Tengo un informe desde Los Ángeles donde me aseguran que el legendario ex lanzador de los Dodgers, Fernando Valenzuela, ha sido internado en un hospital. No se sabe demasiado. Él y la familia han querido mantener en sigilo la enfermedad. Rezamos por su pronta recuperación", escribió David Faitelson. 

La información sobre su hospitalización se dio a la par de la salida del Toro Valenzuela de las transmisiones de los juegos de los Dodgers, aunque no se brindaron mayores sobre dicha decisión.

Cabe mencionar que el año pasado, los Dodgers retiraron el número 34 que usó Fernando Valenzuela con el equipo de Los Ángeles, lo cual dio paso a la 'Fernandomanía', una celebración que duró tres días en el Dodger Stadium.

¿Quién era Fernando Valenzuela?

Fernando Valenzuela se convirtió en uno de los máximos deportistas de México, pues destacó en el beisbol internacional al jugar durante 17 temporadas en las Ligas Mayores.

El Toro Valenzuela nació en Etchohuaquila, Navojoa, Sonora, México, el 1 de noviembre de 1960 y jugó en la MLB de 1980 a 1997, donde fue un pitcher zurdo y destacó en las Grandes Ligas por su peculiar forma de lanzar.

En los inicios de su carrera profesional, pasó por equipos de Cafeteros de Tepic (1977), Ángeles de Puebla (1979) y Leones de Yucatán, hasta que firmó por Los Angeles Dodgers en 1979.

Para el inicio de la temporada de 1981, el mánager de los Dodgers Tommy Lasorda, llamó a Fernando al equipo principal para colocarlo en la lista de activos.

Así comenzó su historia con el equipo de las Grandes Ligas, donde poco a poco comenzó a hacerse de un nombre importante, hasta convertirse en ídolo y desatar la llamada 'Fernandomanía', la cual se mantuvo aún después de su retiro y seguramente seguirá después de su muerte.

El mundo del heavy metal se encuentra de luto tras la confirmación del fallecimiento de Paul Di’Anno, el primer vocalista de la legendaria banda británica Iron Maiden. 

La noticia fue anunciada por el medio especializado Blabbermouth, en un comunicado realizado en nombre de la familia del cantante, quienes informaron que Paul Di’Anno falleció en su hogar.

Tras su triste fallecimiento a los 66 años, Iron Maiden compartió un emotivo mensaje de despedida para su primer vocalista, quienes le agradecieron al músico "encaminar" a la banda en los años 80.

Un legado imborrable en la historia de Iron Maiden

Paul Di’Anno fue la voz de Iron Maiden durante sus primeros años y dejó una huella indeleble en la historia de la banda. Ingresó al grupo en 1978 y su estilo vocal, crudo y enérgico, se convirtió en un elemento fundamental para el sonido que definiría al heavy metal británico. 

Su participación en los álbumes Iron Maiden (1980) y Killers (1981) fue crucial para sentar las bases del éxito del grupo, destacándose con temas emblemáticos como “Running Free,” “Phantom of the Opera” y “Wrathchild.”

Di’Anno aportó una presencia salvaje y visceral tanto en el estudio como en el escenario, lo cual ayudó a Iron Maiden a construir una sólida base de seguidores en sus inicios. 

Aunque su permanencia en la banda fue relativamente breve, su impacto fue duradero y estableció las bases sobre las que Iron Maiden construiría su leyenda. 

Tras su salida en 1981, fue reemplazado por Bruce Dickinson, quien llevaría a la banda a nuevas alturas, pero la era Di’Anno siempre ha mantenido un lugar especial en la memoria de los fanáticos.

El adiós de Iron Maiden

Iron Maiden se despidió de Paul Di’Anno con un emotivo mensaje, reconociendo su inmensa contribución a la banda. En nombre de todos los miembros actuales, Steve Harris, bajista y miembro fundador, expresó sus condolencias.

El músico recordó la importancia del vocalista en el camino que Iron Maiden ha recorrido durante casi cinco décadas. Harris, quien había mantenido contacto con Di’Anno en los últimos meses, lamentó su pérdida y destacó que, a pesar de los problemas de salud que enfrentó en los últimos años, el cantante seguía demostrando su pasión por la música al presentarse en vivo siempre que podía.

“Es tan triste que se haya ido,” comentó Harris. “Todos nosotros le echaremos de menos. Descansa en paz, compañero.”

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Un pilar en la evolución del heavy metal

La contribución de Paul Di’Anno no solo se limitó a su trabajo con Iron Maiden. Tras su salida de la banda, continuó su carrera en solitario y colaboró con otros proyectos musicales, manteniendo viva su conexión con el heavy metal. 

Aunque sus años posteriores estuvieron marcados por problemas de salud, incluyendo dificultades con su movilidad, Di’Anno nunca dejó de demostrar su amor por la música y su compromiso con los seguidores que lo acompañaron a lo largo de su carrera.

Su legado perdura no solo en los primeros trabajos de Iron Maiden, sino también en la evolución del heavy metal como género. 

Di’Anno, con su estilo feroz y distintivo, inspiró a toda una generación de músicos y contribuyó a definir el sonido que caracterizaría a muchas bandas que surgieron en la escena del metal durante las décadas siguientes.

En años recientes, Iron Maiden y Paul Di’Anno tuvieron la oportunidad de reencontrarse y revivir parte de la historia compartida. 

La banda siempre mostró respeto y gratitud hacia su primer vocalista, reconociendo su papel esencial en los inicios de Iron Maiden. 

Este reencuentro permitió a los miembros de la banda y al propio Di’Anno cerrar el círculo y fortalecer los lazos de amistad que, pese a los altibajos, nunca se rompieron del todo.

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El mundo del heavy metal se encuentra de luto tras la confirmación del fallecimiento de Paul Di'Anno, el primer vocalista de la legendaria banda británica Iron Maiden. El cantante, de 66 años, falleció en su casa en Salisbury, según confirmó el medio Blabbermouth en un comunicado emitido por la familia de Di'Anno.

Paul Di'Anno fue una figura clave en los inicios de Iron Maiden, habiendo sido el vocalista entre 1978 y 1981, durante los años formativos del grupo. Su voz inconfundible marcó los dos primeros álbumes de la banda: Iron Maiden (1980) y Killers (1981), que sentaron las bases para el éxito de la agrupación dentro del movimiento New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM). Temas como "Running Free" y "Wrathchild" siguen siendo clásicos del heavy metal, con Di'Anno aportando su estilo crudo y rebelde.

A pesar de su salida de la banda en 1981, su influencia y legado dentro de Iron Maiden permanecen innegables. Fue reemplazado por Bruce Dickinson, quien llevó al grupo a nuevos niveles de fama mundial, pero para muchos fanáticos, el aporte de Di'Anno sigue siendo una pieza esencial en la historia de la banda.

El anuncio de su fallecimiento ha provocado una gran oleada de tributos por parte de fanáticos y colegas en la industria musical. Stjepan Juras, en nombre de la familia de Di'Anno, emitió un conmovedor mensaje, despidiendo al vocalista y recordando su papel en los inicios de Iron Maiden.

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